Загадки картин эпохи возрождения
Обновлено: 24.12.2024
Андреа Мантенья, сын плотника, ученик бывшего портного, будущий придворный живописец
Бюст Мантеньи работы Джан Марко Кавалли
Ф. Скварчоне. Богоматерь с младенцем
Вместе с другими он обучался ремеслу живописца и выполнял задания учителя по созданию разных произведений, в основном копируя изображения античных памятников. Попутно Скварчоне учил его и латыни. Судя по всему, талантливого ученика он выделял особо. В семнадцать лет Мантенья начал самостоятельный путь в искусстве, уйдя из мастерской Скварчоне и добившись даже возврата от того денег за свои написанные ранее и проданные учителем работы.
Фрески церкви Эремитани в Падуе
А. Мантенья. Святой Иероним в пустыне.
Стиль работы Мантеньи
А. Мантенья. Парнас.
А. Мантенья. Святой Себастьян.
А. Мантенья. Портрет кардинала Лудовико Тревизана.
А. Мантенья. Установление культа Кибелы в Риме.
А. Мантенья. Мертвый Христос.
А. Мантенья. Сретение.
Эксперименты с расширением пространства
Фрески западной стороны комнаты
Фрески северной стороны комнаты
Фрагмент фрески Камеры-дельи-Спози
Художник много зарабатывал при дворе герцога, но и в путешествиях выполнял заказы, расписывал алтари в церкви Вероны, выполнял заказ папы Иннокентия VIII. За роспись часовни в Ватикане Мантенья был удостоен рыцарского звания.
Мантенья был новатором и в искусстве гравюры, правда, авторство его установить сложно - он никогда не подписывал работы
Может, средневековые художники просто плохо рисовали?
Эта картина 15-го века кисти венецианского художника Якопо Беллини, но младенец изображён в средневековом стиле. Фото: Getty Images.
Детей изображали некрасивыми умышленно. Границу между Средневековьем и Ренессансом удобно использовать при рассмотрении перехода от «уродливых» детей к значительно более милым. Сравнение разных эпох, как правило, выявляет разницу в ценностях.
«Когда мы думаем о детях в принципиально ином свете, это отражается в картинах, – говорит Аверетт. – Таков был выбор стиля. Мы могли бы посмотреть на средневековое искусство и сказать, что эти люди выглядят неправильно. Но если задача в том, чтобы картина выглядела как у Пикассо, а вы создаёте реалистичное изображение, то и вам сказали бы, что вы сделали неправильно. Хотя с Ренессансом и наступили художественные инновации, но не в них причина того, что младенцы похорошели».
Примечание: Принято считать, что Ренессанс зародился в 14-м веке во Флоренции, а оттуда распространился по Европе. Однако, как и любое интеллектуальное движение, он характеризуется одновременно и слишком широко, и слишком узко: слишком широко в том плане, что создаётся впечатление, будто ренессансные ценности возникли мгновенно и повсеместно, а слишком узко в том, что ограничивает массовое движение одной зоной инноваций. В эпохе Возрождения были пробелы – легко можно было увидеть изображение некрасивого ребёнка в 1521 году, если художник был привержен этому стилю.
Мы можем отследить две причины, по которым в Средние века младенцы в картинах выглядели мужиковато:
- Большинство средневековых младенцев были изображениями Иисуса. Идея гомункулярного Иисуса (что Он появился на свет в подобии взрослого человека, а не ребёнка) повлияла на то, как изображали всех детей.
Средневековые портреты детей, как правило, создавались по заказу церкви. А это значит, что изображали либо Иисуса, либо ещё нескольких библейских младенцев. В Средние века представления об Иисусе сформировались под сильным влиянием гомункула, что буквально означает человечек. «Согласно этой идее, Иисус появился полностью сформировавшимся и не изменялся, – говорит Аверетт. – А если сопоставить это с византийской живописью, получаем стандартное изображение Иисуса. В некоторых картинах, похоже, у него признаки облысения по мужскому типу».
Картина Барнаба да Модена (работал с 1361 по 1383 годы). Фото: DeAgostini/Getty Images.
Гомункулярный (взросло выглядящий) Иисус стал основой для рисования всех детей. Со временем люди просто стали думать, что именно так должны изображать младенцев.
- Средневековых художников меньше интересовал реализм
Такое нереалистичное изображение Иисуса отражает более широкий подход к средневековому искусству: художники в Средние века были меньше заинтересованы в реализме или идеализированных формах, чем их коллеги в эпоху Возрождения.
«Странность, которую мы видим в средневековом искусстве, проистекает из отсутствия интереса к натурализму и большей склонности к экспрессионистским традициям», – говорит Аверетт.
В свою очередь, это привело к тому, что большинство людей в Средневековье изображали похожими. «Идея художественной свободы в рисовании людей так, как вам хочется, была бы нова. В искусстве соблюдались условности».
Из-за приверженности этому стилю живописи младенцы выглядели как папы, потерявшие форму, по крайней мере, до эпохи Возрождения.
Следующая загадка
Отписаться можно в любой момент.
Портрет четы Арнольфини. Ян ван Эйк, 1434 год.
При взгляде на картины эпохи Возрождения , нельзя не восхититься четкостью линий, прекрасной цветовой палитрой и, что самое главное, невероятной реалистичностью передаваемых образов. Современные ученые долго ломали голову, как же мастерам того времени удавалось создавать такие шедевры, ведь письменных свидетельств о тонкостях и секретах техники исполнения не осталось. Английский художник и фотограф Дэвид Хокни утверждает, что он разгадал тайну художников Ренессанса, умевших писать «живые» картины.
Если сравнить разные временные периоды в истории живописи, то становится ясно, что в эпоху Возрождения (рубеж XIV-XV вв.) картины «вдруг» стали гораздо реалистичнее, чем ранее. Глядя на них, кажется, что персонажи вот-вот вздохнут, а на предметах заиграют солнечные зайчики.
Вопрос напрашивается сам собой: неужели художники эпохи Возрождения внезапно научились лучше рисовать, а картины стали получаться объемнее? На этот вопрос попытался ответить известный художник, график и фотограф Дэвид Хокни ( David Hockney ).
Портрет четы Арнольфини. Ян ван Эйк, 1434 год. | Фото: 5sec.info.
В этом исследовании ему помогла картина Яна ван Эйка «Портрет четы Арнольфини» . На полотне можно отыскать немало любопытных деталей, а ведь оно написано в 1434 году. Особое внимание привлекает зеркало на стене и подсвечник под потолком, который выглядит удивительно реалистично. Дэвид Хокни сумел раздобыть подобный подсвечник и попытался его нарисовать. К большому удивлению художника, изобразить этот предмет в перспективе оказалось довольно сложно, да еще и блики света нужно передать так, чтобы было ясно, что это блеск металла. Кстати, до эпохи Ренессанса никто не брался за изображение бликов на металлической поверхности.
Когда трехмерная модель подсвечника была воссоздана, Хокни убедился, что на картине Ван Эйка его изобразили в перспективе с одной точкой схода. Но загвоздка состояла в том, что XV веке не было камеры-обскуры с линзой (оптическое устройство, при помощи которого можно создать проекцию).
Дэвид Хокни ломал голову, как же Ван Эйку удалось добиться такой реалистичности своих полотен. Но однажды он обратил внимание на изображение зеркала на картине. Оно было выпуклое. Стоит отметить, что в те времена зеркала были вогнутые, т. к. мастера еще не умели «приклеивать» оловянную подкладку к плоской поверхности стекла. Чтобы получить зеркало в XV веке, в стеклянную колбу заливали расплавленное олово, а затем отсекали верх, оставляя вогнутое блестящее дно. Дэвид Хокни понял, что Ван Эйк использовал вогнутое зеркало, через которое он смотрел, чтобы максимально реалистично нарисовать предметы.
В 1500-х годах мастера научились делать большие качественные линзы. Их вставили в камеру-обскуру, что позволило получить проекцию любого размера. Это стало настоящей революцией в технике реалистичного изображения. Вот только большинство людей на картинах «стали» левшами. Все дело в том, что прямая проекция линзы при использовании камеры-обскуры зеркальна. На картине Питера Геррица ван Роэстратена (Pieter Gerritsz van Roestraten) «Признание в любви (Буйный повар)», написанной около 1665-1670 гг., все персонажи – левши. Мужчина и женщина держат бокал и бутылку в левой руке, старик на заднем плане грозит им тоже левым пальцем. Даже обезьянка использует левую лапку, чтобы заглянуть женщине под платье.
Чтобы получить правильное, пропорциональное изображение, нужно было точно уставить зеркало, в которое направляется линза. Но не у всех художников получалось это сделать идеально, да и качественных зеркал тогда было немного. Из-за этого на некоторых картинах видно, как были не соблюдены пропорции: маленькие головы, большие плечи или ноги.
Использование художниками оптических устройств ни в коем случае не умаляет их таланта. Благодаря достигнутой реалистичности картин Ренессанса, современные обыватели теперь знают, как выглядели люди и бытовые предметы того времени.
Средневековые художники старались не только достичь реалистичности в своих картинах, но и зашифровать в них особые символы. Так, великолепный шедевр Тициана «Любовь небесная и Любовь земная» скрывает в себе множество тайных знаков.
Италия — центр Возрождения
На улицах Флоренции и Венеции развивается бурная торговля драгоценной посудой и богатой мебелью, оружием, изысканными ювелирными изделиями, дорогими тканями и коврами ручной работы. Происходит переворот и в философии, которая в противовес закостенелой догматической религии проповедует идеалы гуманизма, человеколюбия, света, добра и радости жизни. Высоко начинают цениться знания и науки. Очагом гуманизма становится прекрасная Флоренция – древняя столица Тосканы. В переводе с латыни Флоренция означает цветущий край. И в самом деле, этот город – прекраснейший цветок Италии, который распустился на заре эпохи Ренессанса и своей божественной красотой озарил весь мир. Недаром это был любимый город Леонардо да Винчи, который все свои картины до конца жизни с гордостью подписывал, как «Леонардо, флорентинец».
Идея мировой гармонии, выражение строгой упорядоченности и беспредельного совершенства мироздания становится одной из главных идей в искусстве эпохи Возрождения. В произведениях Леонардо да Винчи, Рафаэля, Тициана, Донателло, Микеланджело проявляется строгая соразмерность и гармоничность сюжета, обусловленные математически точно выверенными пропорциями. Согласно этой идее, каждое произведение искусства и само мироздание строится посредством гармонии числа и меры, и именно математическая точность и гармоничные пропорции являются основным критерием подлинной Красоты.
Фрески
Наряду с идеей гармонии в эту эпоху расцветают высокие духовные идеалы, нашедшие свое воплощение в человеке как в совершенном творении и венце Природы. Гармония физической и духовной красоты человека является этим возвышенным идеалом, воспетым мастерами Ренессанса.
А. Дюрер. Меланхолия
Произведения художников Ренессанса полны глубокого внутреннего значения и смысла. Загадочна и таинственна символика картин Ван Дейка, Леонардо да Винчи, Сандро Боттичелли и других гениальных мастеров. С помощью тончайших зашифрованных символов живописцы пытаются передать нам основные идеи своих работ.
Следующая загадка
Почему дети в средневековых картинах так некрасивы? Чтобы найти ответ на этот вопрос, корреспондент интернет-издания Vox Фил Эдвардс пообщался с Мэтью Авереттом, профессором истории искусства в Университете Крейгтон и редактором антологии «Ребёнок в искусстве и истории раннего Нового времени» (The Early Modern Child in Art and History).
«Некрасивые» это ещё мягко сказано. Младенцы на средневековых полотнах похожи на кошмарных крошечных мужичков с высоким уровнем холестерина.
Такие вот дети 1350 года:
Жутковатый младенец 1350 года в композиции «Мадонна из Вевержи» мастера Вышебродского алтаря. Фото: Getty Images.
Или вот ещё один 1333 года:
Написанная в Италии «Мадонна с Младенцем», Паоло Венециано, 1333 год. Фото: Mondadori Portfolio/Getty Images.
Глядя на этих страшненьких человечков, мы задумываемся о том, как удалось перейти от уродливых средневековых образов детей к ангелоподобным младенцам эпохи Возрождения и современности. Ниже два изображения, которые позволяют убедиться, насколько изменились представления о детском лице.
Фото: Getty Images.
Фото: Filippino Lippi/Getty Images.
Почему же в картинах было так много уродливых младенцев? Чтобы разобраться в причинах, нужно обратиться к истории искусства, средневековой культуре и даже к нашим современным представлениям о детях.
Портрет четы Арнольфини
Возьмем картину Ян Вайн Эйка «Портрет четы Арнольфини». Портрет полон скрытых символов и загадок.
Домашний интерьер таинственен и наполнен предметами, которые выступают на картине как некие мистические символы. Одинокая свеча с оплывшим воском напоминает Всевидящее Око. Эта мельчайшая деталь интерьера вводит нас в волнующий мир Божественности и Тайны.
Художник гениально передает на портрете тончайшие оттенки фактуры. По комнате рассеяны мягкие солнечные блики, мерцающие сквозь полотно волшебным призрачным светом.
Портрет написан с тонким психологизмом, в нем сквозят мягкие лирические ноты, нашедшие отражение в кротком и смиренном облике юной красавицы Джованны. Ее жених, напротив, изображен жестким и расчетливым дельцом, являясь полной противоположностью невесты. Молодые люди на портрете приносят друг другу клятву супружеской верности. Смысл этой сцены подчеркнут сложным рядом загадочных символов. Существует множество толкований, среди которых, например, апельсин указывает на счастье супружеской жизни. Домашние туфли и щенок символизируют супружескую верность. Четки – символ благочестия. Статуэтка св. Маргариты означает благополучные роды. Свеча, горящая в люстре, словно божественный дух освящает таинство совершаемой церемонии. Наконец, зеркало указывает на целомудрие и девственную чистоту невесты.
Но это лишь одна из многочисленных интерпретаций символики изображенных предметов на картине. Что на самом деле хотел изобразить и показать нам художник, до сих пор точно неизвестно. Особенно много споров вызывает круглое зеркало, висящее на стене. Этот один из самых таинственных предметов на картине, отражает, помимо новобрачных еще двух человек. Один из них – сам автор. Над зеркалом помещена надпись на латыни: "Ян ван Эйк был здесь". Возможно, что художник и таинственный незнакомец выступали в качестве свидетелей при брачном обряде.
Весна Боттичелли
Как в эпоху Возрождения дети снова стали красивыми
Милое дитя в картине Рафаэля, 1506 год. Фото: Fine Art Images/Heritage Images/Getty Images.
Что же изменилось и привело к тому, что дети вновь стали красивыми?
- Нерелигиозное искусство процветало, и люди не хотели, чтобы их дети выглядели как жуткие человечки
«В Средние века мы видим меньше изображений среднего класса и простых людей», – говорит Аверетт.
С Возрождением это начало меняться, поскольку средний класс во Флоренции процветал, люди могли позволить себе портреты своих детей. Популярность портретной живописи росла, и заказчики хотели, чтобы их дети выглядели как симпатичные малыши, а не уродливые гомункулы. Так во многом изменились стандарты в искусстве, а в итоге и в рисовании портретов Иисуса.
- Ренессансный идеализм изменил искусство
«В эпоху Возрождения, – говорит Аверетт, – вспыхнул новый интерес к наблюдению за природой и изображению вещей такими, какими их видели на самом деле». А не в устоявшихся ранее экспрессионистских традициях. Это отобразилось и в более реалистичных портретах младенцев, и в прекрасных херувимах, вобравших лучшие черты от реальных людей.
- Детей признали невинными созданиями
Аверетт предостерегает от чрезмерного разграничения относительно роли детей в эпоху Возрождения – родители в Средние века любили своих чад не иначе, чем в эпоху Ренессанса. Но трансформировалось само представление о детях и их восприятие: от крошечных взрослых к невинным созданиям.
«Позже у нас появилось представление о том, что дети невинны, – отмечает Аверетт. – Если дети рождаются без греха, они ничего не могут знать».
По мере того, как изменялось отношение взрослых к детям, то же самое отражалось в портретах малышей, написанных взрослыми. Уродливые дети (или красивые) – это отражение того, что общество думает о своих детях, об искусстве и о своих родительских задачах.
Почему мы по-прежнему хотим, чтобы наши дети выглядели красивыми
Все перечисленные факторы повлияли на то, что дети стали пухлощёкими персонажами, которые нам хорошо знакомы сегодня. И нам, современным зрителям, это легко понять, ведь у нас всё ещё сохранились некоторые постренессансные идеалы о детях.
На наш взгляд, хорошо, что детские изображения изменились. Ведь такое лицо могло бы понравиться только маме:
Икона 1304 года, Битонто. Фото: Mondadori Portfolio/Getty Images.
Следующая загадка
В эпоху Ренессанса в поисках наивысшего идеала и образца для подражания происходит возвращение к античному искусству. Наследницей великого Рима и Греции становится средневековая Италия, а вслед за ней и другие европейские страны. Именно здесь впервые зарождается интерес к великой культуре прошлого и классическим эталонам античной Красоты. Всюду возводятся красивые величественные здания, похожие на великолепные дворцы, их украшают предметы изящного искусства, живопись и настенные росписи, богатейшие антикварные коллекции.
Иероним Босх
Леонардо да Винчи
Говоря о символизме произведений эпохи Возрождения, нельзя обойти стороной картины самого загадочного художника Ренессанса – Леонардо да Винчи. Какую картину кисти Леонардо мы не возьмем, каждая из них хранит целую россыпь таинственных символов и знаков.
Благовещение
Картина «Благовещение», написанная на дереве маслом и темперой, – одна из самых ранних работ мастера. На первом плане – образы архангела и Марии. Коленопреклоненный архангел держит в руке цветок белой лилии – символ девственной чистоты, целомудрия и добродетели. Он вручает Деве Марии этот цветок, как знак ее добродетели и высокого предназначения. Именно этот символ заключает в себе основную идею картины. Подробнее его мы рассмотрим в следующей статье.
Изобилует символикой написанная юным Леонардо совместно со своим учителем Андреа дель Веррокио картина «Крещение Христа». Символична пальма, предположительно написанная Верроккио и изображенная на заднем плане. Это дерево является символом спасения и райской жизни. Над головой Христа парит белый голубь – символ святого Духа, который нисходит на принявшего обряд крещения. В обряде принимают участие два ангела в нежно-голубых одеждах, означающих цвет неба, мира «горнего».
Картина «Мадонна с гвоздикой». На груди юной Девы Марии красивая брошь, символизирующая ее непорочность, целомудрие и нравственную чистоту. Младенец на руках у Мадонны тянется к алой гвоздике. Гвоздика – это символ Страсти Христовой, предрекающий скорую гибель Христа, его крестное распятие. Декоративная ваза в нижнем правом углу картины также как и брошь на груди молодой женщины символизирует добродетель.
Композиция «Поклонение волхвов». Символичны изображения двух деревьев – дуба и пальмы. Как уже было выше сказано, пальма считается символом спасения и райской жизни. Дуб в данном контексте обозначает силу и могущество Христа, силу охраняющую, спасительную, утверждающую в добре и вере. К тому же есть сведения, что якобы крест, на котором был распят Христос, был сделан именно из дуба. Изображая пальму на втором плане, художник показывает, что наш порочный мир скоро будет спасен. А вот дуб, изображенный на первом плане, утверждает силу добродетели Христа, отдавшего душу свою за мир, погрязший во грехе.
Символично полотно «Дама с горностаем». Неслучайно изображение изящного белого зверька. Горностай – символ скромности и чистоты. Имя девушки (Цецилия Галлерани), изображенной на портрете, напоминает греческое «галеэ» – горностай. Цецилия или Чечилия была возлюбленной Лодовико Сфорца, на фамильном гербе которого был также изображен горностай.
«Святой Иероним». В центре картины святой Иероним со львом. За его спиной изображена гора – символ устойчивости и твердости, характеризующая нравственную и духовную силу святого. Художник изображает в руке старца камень – символ наложения им на себя суровой епитимии или наказания.
Одна из наиболее загадочных и символичных картин Леонардо – «Мадонна в скалах». Прекрасен фантастический пейзаж со скалами в легкой туманной дымке и мягкими солнечными бликами, отраженными в зеркальной водной глади. Перед нами уже знакомые символы: брошь на груди Мадонны, скрепляющая светотканную мантию, пальмовый куст, вершины скал, символизирующие духовную силу и прочность, загадочная улыбка ангела, полная скрытого смысла. Мадонна бережно укрывает маленького Иоанна своим плащом, что символизирует надежную защиту и покровительство Высших Сил. Младенец Иоанн ассоциируется с образом Братства Непорочного Зачатия, которое являлось непосредственным заказчиком картины.
«Святая Анна с Марией и младенцем Христом». На этой картине символичен образ ягненка, которого обнимает младенец Христос. Он является символом будущего распятия Христа и великой искупительной жертвы, принесенной им во имя всего человечества.
Святая Анна с Марией и Христом
«Иоанн Креститель (с атрибутами Вакха)». Несмотря на ряд языческих символов (посох и венок) здесь мы видим также немало типичной христианской символики. На заднем плане – изображение оленя символизирует символ души, которая стремится к Богу. На первом плане мы видим цветы – символ надежды. На другой картине «Иоанн Креститель» Предтеча Христа изображен с указующим вверх перстом, что означает скорый приход Мессии.
Каждая картина – поистине это глубокий тончайший символ, таящий в себе нераскрытую тайну и влекущий к себе своей таинственной силой чего-то неизвестного, неведомого и потому такого манящего и привлекательного. Не потому ли даже спустя века мы вновь и вновь пытаемся разгадать эту вечную тайну?
Леонардо да Винчи. Минск: Харвест, 2007 г. (Гении мировой живописи).
Х. А. Ливрага «Эзотерический смысл «Весны» Ботичелли».
Новая История(1500-1800), М, Просвещение, 1997 г.
Читайте также: