Картина цитата виталий комар
Обновлено: 22.12.2024
В 1972 году советские художники Виталий Комар и Александр Меламид сформировали новое постмодернистское направление в искусстве – соц-арт. Как можно догадаться из названия, оно было одновременно похоже на западный поп-арт, эксплуатирующий явления массовой культуры, и соцреализм. Комар и Меламид использовали множество образов советского искусства и коммунистической пропаганды как элементы для своих картин, но нередко смешивали их с бытовыми явлениями, доводили до пародии и абсурда. После эмиграции в 1977 году творческий дуэт художников продолжил своё существование до начала XXI века.
VATNIKSTAN знакомит читателей с рядом любопытных работ Комара и Меламида разных лет.
Следующая цитата
В 1972 году советские художники Виталий Комар и Александр Меламид сформировали новое постмодернистское направление в искусстве — соц-арт. Оно было одновременно похоже на западный поп-арт, эксплуатирующий явления массовой культуры, и соцреализм. Комар и Меламид использовали множество образов советского искусства и коммунистической пропаганды как элементы для своих картин, но нередко смешивали их с бытовыми явлениями, доводили до пародии и абсурда. После эмиграции в 1977 году творческий дуэт художников продолжил своё существование до начала XXI века.
VATNIKSTAN знакомит читателей с рядом любопытных работ Комара и Меламида разных лет.
Двойной автопортрет (1972) Лайка (1972) Портрет отца (1973) Цитата (1972) Не болтай, тебя слушает враг (1976) Рай (1973) Встреча Солженицына и Белля на даче у Ростроповича (1972) Происхождение социалистического реализма (1982−1983) К свету! (1983) Крест и серп Что делать? (1983) Ялтинская конференция (1982) Ленин ловит такси в Нью-Йорке (1992) Тридцать лет назад. 1953 (1982−1983) Сталин у зеркала (1982−1983) Свобода (1991) Мавзолей (1992)
Следующая цитата
Одни из самых известных русских художников на Западе. Последние 15 лет публикации об их искусстве появляются в ведущих газетах и журналах мира в среднем более двух раз в месяц. Их работы приобретены музеями: Модерн Арт, Соломон Гугенхейм, Метрополитен (Нью-Йорк). музей Виктории и Альберта (Лондон), Штедлих (Амстердам), Музеон Израэль (Иерусалим), Национальная галерея (Канбера, Австралия), Модерн-Арт (Сан-Франциско) и др., а также такими ведущими коллекционерами, как Петер Людвиг (Германия), Сильвестр Сталлоне (США) и т.д.
Персональные выставки Комара и Меламида проходили в Бруклинском музее, Аттениум в Хартфорде, Модерн Арт в Оксфорде, Музее Декоративных искусств в Лувре и т.д. Всего у них было 60 персональных и примерно 70 групповых выставок. Художники работают в разных жанрах и техниках: от классической живописи и скульптуры до концептуальных фотографий и инсталляций.
"КОМАР, ВИТАЛИЙ АНАТОЛЬЕВИЧ И МЕЛАМИД, АЛЕКСАНДР ДАНИЛОВИЧ, русские художники. Родились в Москве (Комар – 11 сентября 1943, Меламид – 14 июля 1945). Закончили в 1967 Московское высшее художественно-промышленное училище (бывшее Строгановское); познакомились в 1963 в процессе учебы, с той поры всегда работали сотворчески. Соединив принципы американского поп-арта с пародийно переосмысленными чертами соцреализма, создали в 1972 программу соцарта (или соц-арта), иронически преображающего привычные лозунги, знаки и образы советской пропаганды. Ранней кульминацией нового постмодернистского стиля явился инвайронмент (конструкция, существующая в естественной, реже в выставочной среде) Рай, устроенный в московской квартире (1973). В 1977 Комар и Меламид эмигрировали, обосновавшись в Нью-Йорке.
Наибольшую известность (за рубежом, а с перестройкой и на родине) завоевала серия картин Ностальгия по социалистическому реализму (1981–1983, в разных собраниях), написанная в манере внешне-классического академизма, однако исторические персонажи (И.В.Сталин и др.) погружены здесь в атмосферу таинственного темного хаоса. История как хаос – этот мотив доминирует в их последующих произведениях, решенных в духе «полистилистического» (т.е. совмещающего радикально несхожие по стилю композиции) полиптиха.
Бюст "Сталин" 1980г.
Женский портрет. 1982
Иллюстрация из книги "Стихи о смерти"
Из цикла "Рождение соцреализма"
"Стук в дверь"
Ленин жил. Ленин жив. Денин будет жить!
Диптих "Голубая чашка"
Диптих "Я был. "
Портрет Карла Маркса
"Всегда правы!"
"Дружба народов"
Двойной портрет
"Суд Париса или Ялтинская конференция"
Из серии "Сотрудничество с животными"
Из альбома "Цвет великая сила"
"Пост-арт№1 (Уорхол)"
"Рональд Рейган в виде Кентавра"
Работы разных лет
"Городской ангел" инсталляция в Лос-Анжелесе
Встреча Солженицына и Бёлля на даче Ростроповича
Демонстрация
"Натюрморт с Марксом и Энгельсом"
Перфоманс "Мавзолей"
Из цикла "Москва глазами Мики (обезьяны)"
Относительно недавние работы. Портреты американских рэпперов.
Понравилась статья? Подпишитесь на канал, чтобы быть в курсе самых интересных материалов Вот Сталин в мундире генералиссимуса и штанах с лампасами выпивает с полуобнаженной Мэрилин Монро. Вот по реке Клязьме сплавляют огромный ситцевый шар, в который зашито много-много надутых воздушных шариков и один включенный электрический звонок. Вот выставка, представляющая из себя общественный туалет, — впрочем, за буквами «М» и «Ж» обнаруживаются типовые советские квартиры. Все это — российский концептуализм. Перефразируя известный тезис про гоголевскую шинель, можно сказать, что все современное искусство вылезает из реди-мейдов Дюшана. Если совсем конкретно, из его произведения «Фонтан» — простого писсуара, выставленного в качестве произведения искусства. Этот объект 1917 года можно считать и первым произведением концептуализма, направления, которое тогда еще не было сформулировано как явление и не названо как слово. Все это случится много позже, в шестидесятые.
Марсель Дюшан. Фонтан. 1917 год Wikimedia Commons, Philadelphia Museum of Art Настоящим отцом уже сформулированного концептуализма станет американец Джозеф Кошут. В 1965 году он создал программную работу «Один и три стула». Это инсталляция, которая состоит из собственно стула, фотографии этого стула и словарной статьи с определением слова «стул». Таким образом, стул оказывается един в трех лицах. Более того, каждый раз, когда эту работу выставляют, неизменным остается только словарное определение — а стул и его фотографию каждый раз берут новые. Кошут повторял свою главную работу и с другими предметами — с лопатой, зеркалом, молотком, пилой и так далее. В 24-летнем возрасте Кошут написал эссе «Искусство после философии», в котором сказал, что традиционному искусству, собственно модернистскому искусству, приходит конец и теперь надо не производить, а изучать его природу. Кстати, потом русский концептуалист Юрий Альберт переведет на русский это эссе Кошута в стихах, четырехстопным ямбом. Главный тезис статьи — «искусство — это сила идеи, а не материала». Концептуальным объектом может стать любой предмет, а также любая документация о предмете: текст про экспонат заменяет сам экспонат. Концептуальный объект не подлежит продаже, он исключен из коммерческого поля, потому что продавать, в сущности, нечего — нет мастерства исполнения, нет эстетики, нет новизны. Это искусство про то, как искусство устроено: такая тавтология. Концептуализм порожден разочарованием в прежней картине мира, которую транслировало традиционное искусство. Что такое традиционное искусство? Это искусство, которое в той или иной мере основано на принципе мимесиса, подражания , что в реальности существует. Художник изображает нечто, что может быть сопоставлено со своим прототипом за пределами картины, — нарисованный стул со стулом настоящим. И благодаря этому соотнесению мы можем судить о мастерстве художника. Причем судить : увидит мастерство в точном соответствии натуре, а , наоборот, в выразительности условного художественного языка. Но этот критерий оценки существует, он объективно возможен. Конечно, модернистское искусство пытается преодолеть мимесис, и ему это удается — например, абстрактная живопись уже ни с чем за ее пределами впрямую не соотнесена. Но как раз в ней происходит возгонка художнических амбиций: такой жест первородства, манифестация собственного «я». Но кто дал автору право это свое «я» манифестировать? Это и есть один из главных концептуалистских вопросов. Для концептуалистов сама необходимость личного присутствия автора в произведении оказывается скомпрометированной. Личное присутствие — это манера, почерк, любое слово от первого лица, и все это интерпретируется как ничем не обоснованная претензия на власть. Просто на власть, явленную в утверждении: я автор, это мое пространство, я сделал , чего до меня в мире не было. И такое властное посягательство отрицается, подвергается ироническому снижению, игровой деконструкции. Потому что исходный тезис состоит в том, что все в мире уже было, все уже сказано и произнесено, и теперь время разбираться с этим сказанным, как с кубиками, на которые распалась прежняя целостность. Разбираться с возможностями искусства, его границами, его контекстами. В концептуализме очень много слов — ведь это искусство, которое говорит о самом себе не хуже искусствоведческой статьи. В литературе концептуалисты пытаются освободить язык от идеологии. Они работают с речевыми штампами, с отчужденными от человека языковыми клише — можно вспомнить по этому поводу прозу Владимира Сорокина, поэзию Льва Рубинштейна на каталожных карточках или стихи Пригова, написанные от лица персонажа по имени Дмитрий Александрович Пригов. А в визуальном искусстве базовая проблематика концептуализма — это проблематика слова и изображения. С одной стороны, образ художника или поэта лишается здесь привычных романтических коннотаций. С другой же стороны, Борис Гройс в своей статье 1979 года писал о «московском романтическом концептуализме». Чтобы разобраться с этим противоречием и заодно обозначить отличия российского концептуализма от западного, переместимся в Советский Союз рубежа 60-х и 70-х годов. Одно из первых произведений российского концептуализма — «Ответы экспериментальной группы» Ильи Кабакова. Оно выглядит как картина (прямоугольной формы, висит на стене), но вместо изображения здесь обрывки бытовых текстов с подписями говорящих, складывающиеся в абсурдное многоголосое целое. Кабаков делал и другие работы-стенды, например самый известный — с мухой. Неопределенно-грязноватого оттенка поверхность, на ней еле заметная муха — и реплики персонажей по ее поводу: «Чья это муха? Это муха Ольги Лешко». Бедная муха, выставленная как экспонат, оказывается заключена в речь людей и не может существовать вне ее, вне того, чтобы принадлежать, — потому что нет ничего, кроме языка. И этот советский язык лозунгов, графиков, справок и расписаний, дорожных знаков и официальных бумаг агрессивно вторгается в жизнь человека.
Илья Кабаков. Ответы экспериментальной группы. 1970–1971 годы © Илья Кабаков, Государственная Третьяковская галерея Позже, уже в 80-е, мушиный мотив у Кабакова разрастется, появится инсталляция «Жизнь мух», где о мухе будут рассуждать представители разных наук, и тут же их речи будут комментироваться, — но именно в «мухе» ранней заявлена тема, которая станет для него главной. Это тема советской коммунальности, насильственной общности людей; она потом будет развернута во многих его работах, например в инсталляции 1991 года «Коммунальная кухня». В западном концептуализме такой темы не было, ей там просто неоткуда было взяться. С одной стороны, вопрос, кому принадлежит муха, — это поэтика дадаистского абсурда. С другой стороны, вопрос, кому принадлежит тот или иной предмет, — законный и необходимый для мира коммуналки. Читайте также:
Следующая цитата